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Los Oscar® 1929/30

Por Marcos Celesia

LOS OSCAR® 1929-1930
(Entregados el 5 de noviembre de 1930, correspondientes a los films estrenados en Los Angeles entre el primero de agosto de 1929 y el 31 de julio de 1930)

PELICULA ACTOR ACTRIZ DIRECTOR OTROS PREMIOS

EL PERÍODO 1929-1930

Para el período 1929-30 no se entregaron certificados de nominación. En las categorías de Guión, Fotografía, Dirección Artística y Grabación de Sonido las nominaciones se dieron a conocer consignando el título del film y el estudio productor. No se mencionó a las personas involucradas. Cuando se entregaron los premios se dieron los nombres de las personas en cuestión, pero sólo de las películas ganadoras. En este informe se consignan los nombres de los otros "nominados", al igual que lo han hecho otras fuentes, incluida la Academia.

Para su tercera entrega, los premios de la Academia se entregaron en momentos en que la industria cinematográfica de Hollywood y el público ya habían aceptado sin reparos el cine sonoro. Poco a poco se fueron salvando las trabas que imponía la necesidad de que los micrófonos –por lo general sin ninguna movilidad– captaran el sonido de cada escena. Ya empezaban a afianzarse en el favoritísimo del público las nuevas estrellas que habían sido convocadas del mundo del teatro, o que eran descubiertos mediante castings en que sus voces y su elocución importaban tanto como su talento, su apariencia y su credibilidad a la hora de "actuar" a través de sus expresiones faciales y mohines. Asimismo, ya se sabía cuáles de las estrellas del cine mudo habían decididamente pasado la "prueba del sonido". Fue así que 3 de las máximas estrellas del momento realizaron en este período su debut parlante, con gran éxito y nominaciones al premio para corroborar la satisfacción de Hollywood y sus pares con sus primeros films sonoros; se trata de Greta Garbo, Gloria Swanson y Ronald Colman. Los actores ganadores fueron Norma Shearer, sobreviviente de los temidos micrófonos, y George Arliss, estrella de las tablas inglesas y de Broadway que se convirtió en el primer actor en ganar el premio de la Academia por llevar a la pantalla un rol que ya había creado en el teatro.

En su tercer año, la Academia cambió las reglas de votación. Las candidaturas y los premios ya no fueron decididos por un panel de jueces, sino que participaron del proceso todos los miembros de la Academia, con el mismo sistema que subsiste hasta la fecha: las nominaciones pasaron a ser votadas por los integrantes de cada rama (directores, actores, etc.), y el premio final se decidió en función de los votos de la totalidad de los miembros de la Academia. Otra novedad –resultado obvio del revolucionario avance de cine sonoro– fue la incorporación de una nueva categoría: Mejor Grabación de Sonido. Durante muchos años, éste premio se entregó al departamento de sonido del estudio en cuestión, y no necesariamente a los técnicos que habían participado directamente en la película premiada. Al llegar el tercer año de los premios de la Academia, sucedió que lo que era de esperar: Ruth Chatterton y Gloria Swanson se convirtieron en los dos primeros intérpretes (en este caso Mejor Actriz) en recibir una segunda nominación (nos referimos a nominaciones en años distintos, sin contar las nominaciones múltiples que la Academia permitió en sus primeros años). Swanson había sido nominada en la primera entrega, y Chatterton el año anterior. Curiosamente, ninguna de las dos ganaría el Oscar®. Los varones debieron esperar dos años más, hasta la quinta entrega, para que uno de ellos obtuviera una segunda candidatura al Mejor Actor.

La tercera entrega del premio de la Academia correspondió a un buen año para el cine. La variedad de géneros abordadas por los films nominados a la categoría Mejor Película refleja la forma en que Hollywood se sentía cada vez más cómodo con el sonido. Además del alegato anti bélico del film ganador, All Quiet on the Western Front (Sin novedad en el frente), compitieron una película de trascendencia social: The Big House; una típica y lujosa biografía de época: Disraeli (Disraeli); una comedia dramática hecha para lucimiento de sus estrellas: The Divorcee (La divorciada); y un musical: The Love Parade (El desfile del amor).

NOMINADOS Y GANADORES 1929-30 ( * El asterisco indica ganador * )

PELÍCULA
(Premio al estudio)

ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT (Sin novedad en el frente, 1930)

Producida por Carl Laemmle, Jr.
D
irigida por Lewis Milestone.
Con Lew Ayres, Louis Wolheim, John Wray, Arnold Lucy, Slim Summerville, William Bakewell.

La novela "Sin novedad en el frente (Im Westen nichts Neues)" fue publicada en 1929. Su autor, de escasos 31 años, fue Erich Maria Remarque, y para su obra se inspiró en su propia experiencia en el frente, durante la Primera Guerra Mundial, en el ejército alemán. Este crudo alegato anti bélico muestra sobre los horrores del combate y cómo afectan la vida de varios amigos. La Paramount Pictures no se hizo esperar y compró los derechos para adaptar la exitosa novela al cine. La producción fue asignada a Carl Laemmle, Jr., quien supo reconocer el potencial artístico y social que presentaba la reciente adquisición del estudio. Contrató a Lewis Milestone para dirigirla y, siguiendo el consejo de George Cukor, dio al poco conocido Lew Ayres la oportunidad de lanzarse al estrellato con el papel protagónico. El estudio no escatimó en gastos. La película terminó costando más de US$ 1.200.000, lo cual era un presupuesto altísimo a comienzos de la década de 1930. Había otro punto que considerar: debido al éxito creciente del cine sonoro, el estudio prefirió no arriesgarse y, además de la versión muda que tenían planeada, decidieron filmar la película también con sonido, lo cual no sólo se prestaba bien para transmitir el clamor de la guerra, con sus explosiones y disparos, sino que permitiría que la película en versión muda se pudiera proyectar en las salas de ciudades pequeñas que todavía no estaban equipadas con los equipos necesarios. Además, daba la coincidencia de que Universal fue uno de los últimos estudios en hacer la transición al sonido, y muchas de esas salas no equipadas eran de su propiedad.

Nunca las pantallas de Hollywood habían presentado la guerra de manera tan desgarradora, con escenas impensadas para la época. Muertes, amputaciones, la vida en las trincheras, sin ningún factor ni elemento en la trama que pudiera justificar ni mitigar el horror absoluto de la guerra y la destrucción de las almas de quienes se rozan con ella. Por suerte, el estudio no cedió ante las opiniones de algunos analistas de la industria, que decían que los Estados Unidos estaban sumidos en la Gran Depresión, y que el público no tenía ganas de ir al cine a deprimirse aun más. Además, el país no estaba en guerra en ese momento, así que ni siquiera era un tema "de actualidad". El único "contratiempo", que hoy parece mínimo, es que los productores habían dado el papel de madre del protagonista a ZaSu Pitts, una reconocida y desopilante actriz de comedia. Cuando se realizaron las proyecciones de prueba ante un público, la gente rompía en carcajadas con solo verla, a pesar de que el papel era absolutamente dramático. Se decidió dejar las escenas con Pitts sólo en la versión muda, y se volvieron a filmar con la actriz Beryl Mercer para la versión sonora.

El producto terminado se estrenó el 29 de abril de 1930 y fue un rotundo éxito de crítica. Nadie dudó en aclamarla como una de las mejores películas de la historia y, decididamente, la mejor película bélica. Su mensaje fue tan profundo y crítico que el film tuvo una distribución muy limitada en Alemania y Francia, hasta muchos años después, en que fue reestrenado. La película fue relanzada más de una vez en los EE.UU. y el resto del mundo, y sufrió diferentes cortes e incluso agregados. Por ejemplo, en la versión que se proyectó en 1939 se agregó una escena al final en la cual se muestra a miembros del ejército nazi haciendo una quema de libros, entre los cuales se encuentra la novela que dio origen a este film.

All Quiet on the Western Front (Sin novedad en el frente, 1930) le valió a Lewis Milestone su segundo Oscar® al Mejor Director, y recibió nominaciones adicionales al Mejor Guión y la Mejor Fotografía. En 1979 la TV estadounidense realizó una miniserie de 6 horas basada en la misma novela. Dirigida por Delbert Mann, contó con Richard Thomas en el papel jugado por Lew Ayres en el original, acompañado por Ernest Borgnine, Donald Pleasence, Ian Holm y Patricia Neal.

NÓMINA COMPLETA:
*ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT (Universal). Producida por Carl Laemmle, Jr.
THE BIG HOUSE (Cosmopolitan/MGM). Producida por Irving G. Thalberg.
DISRAELI (Waner Bros.). Producida por Jack L. Warner y Darryl F. Zanuck.
THE DIVORCEE (MGM). Producida por Robert Z. Leonard.
THE LOVE PARADE (Paramount Famous Lasky). Producida por Ernst Lubitsch

ACTOR

GEORGE ARLISS (Disraeli)

George Arliss fue uno de los honorables miembros de la "realeza teatral" británica que fueron tentados por los estudios de Hollywood con la llegada del cine sonoro. Nacido en Londres el 10 de abril de 1868, inició su carrera en las tablas en 1890. Cargado del talento necesario para el estilo de actuación teatral de la época (grandilocuente y pomposo), su ascenso a la fama fue muy rápido. En 1901 se mudó a los Estados Unidos y se convirtió en una de las grandes figuras de Broadway. El cine mudo sirvió de vehículo para registrar sus proezas histriónicas para la posterioridad. Entre las versiones cinematográficas de sus obras se contaron Disraeli (Disraelí, 1921), The Man Who Played God (La voz silenciosa, 1922) y The Green Goddess (La cámara de las torturas, 1923). Al lanzarse el cine parlante, Hollywood estaba desesperado por encontrar talentos teatrales, ya que las voces de muchas de las grandes estrellas del cine mudo no eran muy adecuadas ni muy creíbles. La Warner Bros. golpeó a la puerta de Arliss, y su primera colaboración conjunta fue precisamente una versión sonora de su gran éxito teatral, Disraeli (Disraelí, 1929), en la cual interpretaba al afamado Primer Ministro de Inglaterra. El film fue un gran éxito de crítica y público y fue seguido rápidamente por The Green Goddess (La diosa verde, 1930). De acuerdo con las reglas de la Academia de aquel entonces, George Arliss fue nominado por estas dos películas, pero en la resolución final donde se lo declara ganador, sólo se hace mención a Disraeli.

Encantada con la victoria de Arliss (incluso venció a favoritos establecidos como Wallace Beery y Ronald Colman), la Warner Bros. Incluyó en sus siguientes films una tercera adaptación de una de sus obras, que también había ya realizado como película muda: The Man Who Played God (El hombre que se acercó a Dios, 1932). Pero el punto fuerte de Arliss fue decididamente la recreación de personajes históricos. Sus films biográficos después de encarnar a Disraeli fueron Alexander Hamilton (1931), Voltaire (Voltaire, 1933), The House of Rothschild (La casa de los Rothschild, 1934), The Iron Duke (El duque de hierro, 1934) –donde encarnó al Duque de Wellington– y Cardinal Richelieu (Cardenal Richelieu, 1935). Uno de las virtudes adicionales de Arliss fue su gran generosidad y respeto por el talento. En The Man Who Played God había sido secundado por una actriz también proveniente del teatro, que había realizado sólo seis películas, y que no se caracterizaba por una belleza que pudiera abrirle demasiadas puertas. Impresionado con el talento de la joven, Arliss insistió en que lo acompañara nuevamente en The Working Man (Noble enemigo, 1933). A lo largo de su brillante carrera, la gran Bette Davis siempre agradeció el apoyo recibido por George Arliss. Para ese entonces, el estudio ya lo consideraba anticuado, y el público parecía opinar lo mismo. Coincidiendo con esta circunstancia, su esposa Florence Arliss, actriz que lo acompañó siempre en su carrera, empezó a perder la vista. Decidió regresar a Londres, donde realizó sus últimas películas. Algunas de ellas ni siquiera fueron estrenadas en los Estados Unidos. Dr. Syn (La cabalgata de los fantasmas, 1937) marcó su retiro definitivo del cine. George Arliss falleció en su ciudad natal el 5 de febrero de 1946.

NÓMINA COMPLETA:
* GEORGE ARLISS (Disraeli)
GEORGE ARLISS (The Green Goddess)
WALLACE BEERY (The Big House)
MAURICE CHEVALIER (The Big Pond)
MAURICE CHEVALIER (The Love Parade)
RONALD COLMAN (Bulldog Drummond)
RONALD COLMAN (Condemned)
LAWRENCE TIBBETT (The Rogue Song)

Nota: Las reglas permitían la nominación por más de una actuación. Si bien George Arliss fue nominado por Disraeli y The Green Goddess, el premio le fue otorgado únicamente por Disraeli. Asimismo, la bibliografía oficial de la Academia consigna que Maurice Chevalier y Ronald Colman recibieron una sola nominación por dos películas cada uno. Pero en la base de datos del sitio oficial de Internet de la Academia, se las considera como nominaciones separadas

ACTRIZ

NORMA SHEARER (The Divorcee)

Norma Shearer fue una de las grandes estrellas de la MGM a partir de mediados de la década de 1920 (cine mudo). Pudo hacer una transición elegante al cine parlante, pero se retiró en 1942. Sus dotes dramáticas fueron limitadas desde un principio, pero con el correr de los años fue mejorando y logró, por lo menos, no desentonar con las ambiciosas producciones que la MGM puso a sus pies. Nació el 10 de noviembre de 1902 en Montreal, Canadá. Su hermano, Douglas Shearer, fue pionero del desarrollo de las técnicas necesarias para el cine sonoro y jefe de departamento de sonido de la MGM. Norma empezó su carrera con breves apariciones en películas como Flappers (Gorrioncillas, 1920), no tan breves en The Stealers (La luz en el sendero, 1920) y el protagónico de The Man Who Paid (El hombre que pagó, 1922). Louis B. Mayer la contrató en 1923 y lentamente la preparó para el estrellato. Se convirtió en una de las principales figuras de la MGM, actuando con algunos de sus más cotizados galanes, como John Gilbert, Ramon Navarro y Conrad Nagel. En 1927 se casó con el Jefe de Producción del estudio, Irving G. Thalberg, lo cual obviamente la benefició más de lo que se podría imaginar. En un momento de cambio, cuando todos los actores y actrices temblaban ante la mera mención de micrófono, Norma era la primera a quien se ofrecían roles que, con un criterio más lógico, deberían haber caído en manos de Greta Garbo o Joan Crawford, las otras grandes estrellas de la MGM. Su transición al cine parlante fue estratégicamente planeada, con el estreno casi simultáneo de The Trial of Mary Dugan (El proceso de Mary Dugan, 1929) y The Last of Mrs. Cheyney (La adorable aventurera, 1929). Su voz resultó ser agradable y acompañaba perfectamente su aire de mujer elegante y gran dama. Su nombre encabezó las producciones más lujosas del estudio, el público le dio su aprobación en la taquilla y sus pares nominaron seis de sus actuaciones para el Oscar®.

Tan solo leer la lista de películas por las cuales aspiró a la estatuilla nos da un buen resumen de su esforzado crecimiento como actriz. Su primera nominación llegó por dos películas. The Divorcee (La divorciada, 1930), dirigida por Robert Z. Leonard, es un relato de amores desencontrados, casamientos decididos por sentimientos de culpa, infidelidad y alcoholismo. A falta de un galán, Shearer estuvo acompañada de tres: Chester Morris, Conrad Nagel y Robert Montgomery. La segunda candidatura de la Academia fue por Their Own Desire (Caprichos, 1929), donde interpreta a una escritora cuyo padre (Lewis Stone) decide repentinamente divorciarse de su esposa y casarse con una divorciada. El conflicto se da cuando Shearer se enamora de Robert Montgomery sin saber que es el hijo de su "madrastra". Al año siguiente llegaría la tercera nominación, por A Free Soul (Alma libre, 1931). Con dirección del maestro del melodrama y favorito de muchas actrices, Clarence Brown, Norma encarna a la hija de un abogado alcohólico (Lionel Barrymore) quien defiende y logra que declaren inocente a Clark Gable, un mafioso asesino. Norma planta a su prometido Leslie Howard y empieza un romance con el irresistible Gable [es curioso que años después Vivien Leigh también abandonara a Howard por Gable en Gone With the Wind (Lo que el viento se llevó, 1939), rol que Norma Shearer rechazó]. En este caso Howard mata a Gable para liberar a su amada de las garras del mal, y Barrymore debe probarse nuevamente defendiendo a su yerno, en un apasionado alegato ante el jurado. Habrá que ver la película para descubrir si Barrymore logra la libertad de Howard, pero lo que seguro ganó fue el Oscar® al Mejor Actor por esta actuación.

En 1936 la repentina muerte de su esposo, Irving G. Thalberg, de tan solo 37 años, la sumió en un estado depresivo del cual le costó recuperarse. Irving había producido para ella tres films de gran presupuesto, y Norma recibió nominaciones por los tres. El primero fue la biografía de la poetisa Elizabeth Barrett Browning: The Barretts of Wimpole Street (La familia Barrett, 1934), dirigida por Sydney Franklin y coprotagonizada por Charles Laughton (el padre tirano), Fredric March (el poeta pretendiente) y Maureen O’Sullivan (la hermana sufriente). Dos años después, en una de esas libertades que Hollywood se suele tomar, Shearer (de 34 años) y Leslie Howard (de 42) interpretaron a los adolescentes amantes de Verona en Romeo and Juliet (Romeo y Julieta, 1936). Con dirección de George Cukor, el film logró un total de cuatro nominaciones, incluida Mejor Película y Mejor Actor de Reparto para Basil Rathbone (un Tibaldo de 43 años). La última candidatura de Norma Shearer llegó por la superproducción Marie Antoinette (María Antonieta, 1938), filmada ya después del fallecimiento de Thalberg. Dirigida por W.S. Van Dyke y coprotagonizada por un reparto estelar –Tyrone Power, John Barrymore y Robert Morley– el film contiene una de las mejores actuaciones de Shearer, quien tal vez transmitió a la trágica reina toda la carga de su profundo dolor personal. Estas dos últimas películas no fueron el éxito de taquilla esperado y, ya sin la protección de su esposo, Norma Shearer filmaría solo cinco películas más antes de retirarse definitivamente. De éstas sólo vale la pena mencionar Idiot’s Delight (Placer de tontos, 1939), que se rumorea fue directamente un acto de sabotaje de la MGM para precipitar su caída, y The Women (Mujeres, 1939), bajo la dirección de George Cukor y con un reparto femenino de lujo: Joan Crawford, Rosalind Russell, Paulette Goddard y Joan Fontaine.

El retiro de Shearer no fue objeto de especulaciones ni se vio cubierto de un manto de fascinante misterio como el de Greta Garbo. Poco a poco fue olvidada, al punto de que a las generaciones actuales no les resulta tan fácil reconocerla ni recordarla. Murió de pulmonía a los 80 años en Los Angeles. Era el 12 de junio de 1983.

NÓMINA COMPLETA:
* NORMA SHEARER (The Divorcee)
NANCY CARROLL (The Devil’s Holiday)
RUTH CHATTERTON (Sarah and Son)
GRETA GARBO (Anna Christie)
GRETA GARBO (Romance)
NORMA SHEARER (Their Own Desire)
GLORIA SWANSON (The Tresspasser)

Nota: Las reglas permitían la nominación por más de una actuación. Si bien Norma Shearer fue nominada por The Divorcee y Their Own Desire, el premio le fue otorgado únicamente por The Divorcee. Asimismo, la bibliografía oficial de la Academia consigna que Greta Garbo recibió una sola nominación por dos películas. Pero en la base de datos del sitio oficial de Internet de la Academia, se las considera como nominaciones separadas.

DIRECTOR

LEWIS MILESTONE (All Quiet on the Western Front)

Lev Milstein nació el 30 de septiembre de 1895 en Ucrania, Rusia. Durante la Primera Guerra Mundial trabajó como fotógrafo del ejército. Decidido a probar suerte en Hollywood se inició como editor, director asistente y guionista. Su debut fue en Seven Sinners (Los siete pecadores, 1925). Muy pronto llegaría la película por la cual fue designado como el único Mejor Director de Comedia de la historia de la Academia (esa categoría fue descarta después del primer año). Se trata de una joya olvidada, Two Arabian Knights (Dos caballeros árabes, 1927), protagonizada por William Boyd y Louis Wolheim, que interpretan a dos reclusos que se escapan de una prisión disfrazados de árabes. Obviamente la Academia tenía mucho por que premiarlo, ya que si bien este film no fue nominado como Mejor Película, Milestone también dirigió The Racket (La Patota, 1927), que sí entro en el círculo de postuladas a la Mejor Película. Dos años después, en la tercera edición de los premios, Lewis Milestone se volvió a encontrar entre los ganadores. Esta vez como Mejor Director por All Quiet On the Western Front (Sin novedad en el frente, 1930), el conmovedor alegato anti bélico, basado en la novela de Erich Maria Remarque que ganó el premio a la Mejor Película. Lo protagonizaron Louis Wolheim y Lew Ayres. Luego llegaría The Front Page (El cuarto poder, 1931), basada en la obra teatral de Ben Hecht y Charles McArthur, que le trajo una tercera nominación como Mejor Director. Sin duda en gran parte por su magistral dirección de Adolphe Menjou y Pat O’Brien. De hecho, este consumado técnico pareció preferir las adaptaciones de obras literarias: Of Mice and Men (La fuerza bruta, 1939), con Burgess Meredith y Lon Chaney, Jr., basada en la novela de John Steinbeck, por la cual fue nominado como productor en la categoría Mejor Película; nuevamente Remarque en Arch of Triumph (, 1948), con Ingrid Bergman, Charles Boyer y Charles Laughton; nuevamente Steinbeck en The Red Pony ( 1949) (Myrna Loy y Robert Mitchum), y Les Miserables (, 1952), sobre la novela de Víctor Hugo, con un reparto menos estelar que las otras adaptaciones de esta novela: Michel Rennie, Debra Paget y Robert Newton.

Se despidió del cine con dos películas que tuvieron bastante repercusión y son muy bien recordadas. Ocean’s Eleven (1960), protagonizada por el Clan Sinatra (Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr. y Peter Lawford), ha sido objeto de una remake que se convirtió en una exitosa franquicia para George Clooney y Brad Pitt. El film original que nos ocupa se benefició de la excelente química entre los miembros del Clan Sinatra, que incluso improvisaron una buena parte de los diálogos. Shirley MacLaine también improvisó su breve aparición (o cameo), realizada mientras filmaba The Apartment (Departamento de soltero, 1960) en un set de mismo estudio. Finalmente, un par de años después, Milestone tomó las riendas de Mutiny on the Bounty (Motín a bordo, 1962), cuando el director Carol Reed se hartó de las veleidades del protagonista, Marlon Brando. La actitud de Brando hacia el nuevo director no fue muy diferente, y pretendía dirigirse a sí mismo y dar indicaciones al director de fotografía, entre tantos otros despropósitos. Milestone fue convencido de no renunciar, pero tomó distancia del asunto y dejó a Brando librado a sus caprichos. La película, protagonizada también por Trevor Howard y Richard Harris, excedió su presupuesto con creces y no fue un éxito de taquilla. La industria, que ya se había ofendido con Brando por el tratamiento que le había dado al veterano y distinguido director, lo culpó por el fracaso y, con este film, se inicia el declive en la carrera del actor. En sus últimos años, Milestone también incursionó en la dirección televisiva. Ya retirado, falleció luego de una operación en Los Angeles, el 25 de septiembre de 1980.

NÓMINA COMPLETA:
* LEWIS MILESTONE (All Quiet on the Western Front)
CLARENCE BROWN (Anna Christie)
CLARENCE BROWN (Romance)
ROBERT LEONARD (The Divorcee)
ERNST LUBITSCH (The Love Parade)
KING VIDOR (Hallelujah)

Nota: Las reglas permitían la nominación por más de una película. Si bien la bibliografía oficial de la Academia consigna que Clarence Brown recibió una sola nominación por dos películas, en la base de datos del sitio oficial de Internet de la Academia, se las considera como nominaciones separadas.

GUIÓN

* FRANCES MARION (The Big House)
GEORGE ABBOTT, MAXWELL ANDERSON y DEL ANDREWS (All Quiet on the Western Front)
HOWARD EASTABROOK (Street of Chance)
JULIAN JOSEPHSON (Disraeli)
JOHN MEEHAN (The Divorcee)

FOTOGRAFÍA

* JOSEPH T. RUCKER y WILLIAM VAN DER VEER (With Byrd at the South Pole)
WILLIAM DANIELS (Anna Christie)
ARTHUR EDESON (All Quiet on the Western Front)
GAETANO GAUDIO y HARRY PERRY (Hell’s Angles)
VICTOR MILNER (The Love Parade)

DIRECCIÓN ARTÍSTICA  

* HERMAN ROSSE (King of Jazz)
HANS DREIER (The Love Parade)
HANS DREIER (The Vagabond King)
WILLIAM CAMERON MENZIES (Bulldog Drummond)
JACK OKEY (Sally)

GRABACIÓN DE SONIDO

(Categoría nueva. Premio al Departamento de Sonido del Estudio)

* THE BIG HOUSE (Douglas Shearer por Cosmopolitan/MGM)
THE CASE OF SERGEANT GRISCHA (John Tribby por RKO Radio)
THE LOVE PARADE (Franklin Hansen por Paramount Famous Lasky)
RAFFLES (Oscar Lagestrom por Samuel Goldwyn Productions/United Artists)
SONG OF THE FLAME (George Groves por First National)

FABIÁN CEPEDA (1966-2011)
Co-Director y Co-Autor de HollywoodClasico
Extraordinario investigador y autor, gran amigo y maravillosa persona
Nunca será olvidado por quienes nos cruzamos en su vida


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